Lente d’ingrandimento: BADBADNOTGOOD è lo pseudonimo con il quale si sono fatti conoscere in tutto il mondo tre giovani(ssimi) ragazzi di Toronto: Matthew A. Tavares (chitarra e tastiera), Chester Hansen (basso), Alex Sowinski (batteria e sampler). Lo scorso anno uscirono con BBNG, mixtape con re-interpretazioni di brani poco “ortodossi” (la saga di Zelda serebbe stata ulteriormente più figa se avesse contenuto in se il loro rifacimento di Saria’s song), improntato principalmente su beats di stampo Hip-Hop – dalle ritmiche estreme e forsennate – che accarezzano l’ascoltatore con brezze Jazz, e con il singolo DOOM.

Nel caso di BBNG2, il trio espone al pubblico la maturazione artistica e compositiva ottenuta in poco meno di un anno solare, con sole 10 ore dedicate alle sessioni di registrazione.
Il disco si apre con ‘Earl’ (Earl Sweatshirt) che vede la collaborazione di Leland Whitty al sassofono: menata sui denti e bassline da capogiro; segue ‘Vices’ ove regna incontrastata la batteria. Il terzo brano è il singolo dell’album, un incubo di sei minuti, ‘Rotten Decay’ è fra le vette più alte dell’intero lavoro: precisione chirurgica in bianco e nero. ‘Limit To Your Love’ è ripresa dall’ultima versione, quella del produttore inglese James Blake, il beat è pesante, grezzo, si sente il rumore della passione e, così come in ‘Bastard/Lemonade’ (Tyler, The Creator/Gucci Mane), traspare quel senso di disordine maniacale che contraddistingue la band. CHSTR, UMW (con il solito Whitty al sax), DMZ e CMYK riempiono il cuore con cambi di ritmo alternati ad attimi di tregua, post-tempesta, messi lì per darci solamente il miraggio di una – utopistica – pace.
Gli ultimi due pezzi sono quelli che ti fanno tremare: Flashing Lights (Kanye West) e You Made Me Realise (My Bloody Valentine). La prima cover è una esplosione di archi e linee stellate: i fuochi d’artificio che un bambino non vorrebbe mai smettere di guardare; la seconda si presenta come l’apoteosi del frastuono, il regalo più bello: la realizzazione.
Il lavoro, originale, tecnico e di creatività, merita. Poco importa se il materiale trattato non è di primo pelo, anzi, non importa affatto.

Brani migliori: Earl, Rotten Decay, Limit To Your Love, UWM, Flashing Lights, You Made Me Realise

Voto: 8

Questo LP è scaricabile gratuitamente e legalmente dal loro sito : http://badbadnotgood.com/

Tracklist:

1. Earl (feat. Leland Whitty)
2. Vices
3. Rotten Decay
4. Limit to Your Love
5. Bastard / Lemonade
6. CHSTR
7. UWM (feat. Leland Whitty)
8. DMZ
9. CMYK
10. Flashing Lights
11. You Made Me Realise (feat. Luan Phung)

Lente d’ingrandimento: Siamo nel 2011 e ne è passato di tempo da quel lontano 2006, quando la band britannica The Kooks, da Brighton, debuttò con Inside In/Inside Out, album che spopolò in UK e non solo, con oltre un milione di copie vendute in tutto il mondo. L’abbandono del bassista Max Rafferty per problemi di droga (sostituito inizialmente da Dan Logan, poi definitivamente da Pete Denton), un secondo album (Konk uscito nel 2008) che non ebbe il successo del primo (nonostante gli azzeccatissimi singoli Do you wanna?, Always where I need to be e Shine on) e la temporanea uscita di scena del batterista Paul Garred, sembravano segnare l’inizio della fine per una band che, per molti, era semplicemente l’ennesima meteora data in pasto a teenager senza troppe pretese.
Invece, Luke Pritchard e soci si rinchiudono al The Sound Factory di Los Angeles e al Sarm Studios di Londra con il solito Tony Hoffer (Beck, Air, Belle & Sebastian) alla produzione e danno vita alla loro terza fatica, Junk of the Heart in uscita nei negozi in questi giorni.
Junk of the Heart, presenta 12 tracce ed inizia con il singolo attualmente in rotazione “Junk of the Heart (Happy)”, in cui si nota subito la grande maturità del gruppo e l’aggiunta di tastiere rispetto ai due lavori precedenti, che rende il sound più pop, con melodie accattivanti e giocose, ma allo stesso tempo di facile ascolto e facilmente canticchiabili. Stesso discorso vale per le seguenti “How’d You Like That” e “Rosie”, che Pritchard definisce canzoni perfette da ascoltare sotto il sole, in cui lo stesso cantante strizza l’occhio a Jim Morrison e ai The Doors più commerciali di Touch me. La ballata ‘Taking Pictures Of You” mostra il lato più romantico della band, ma è con “Fuck The World Off”, “Time Above The Earth” e “Runaway”, che i quattro giovani inglesi dimostrano il loro amore per il britpop anni 60 tipicamente beatlesiano. Seguono il singolo di lancio, “Is it me”, uno dei brani meglio riusciti di tutto il 2011 nel panorama semi-alternativo inglese e la nostalgica “Killing me” ideale per un pomeriggio di fine estate.
L’album si conclude con “Eskimo Kiss” che ci riproietta ai suoni e alla leggerezza degli esordi e l’interessante “Mr. Nice Guy” dove non mancano sfumature funky e reggae.
Un album che non ha la pretesa di cambiare la storia della musica, ma che dimostra tutto il potenziale di questi quattro giovanotti, di cui sicuramente sentiremo ancora parlare a lungo.

Pezzi migliori: “Is it me”, “Rosie” e “Mr. Nice Guy’”
Pezzi peggiori: “Eskimo Kiss” e “Petulia”

Voto: 7,5

Tracklist:
01. Junk Of The Heart (Happy)
02. How’d You Like That
03. Rosie
04. Taking Pictures Of You
05. Fuck The World Off
06. Time Above The Earth
07. Runaway
08. Is It Me
09. Killing Me
10. Petulia
11. Eskimo Kiss
12. Mr. Nice Guy

Lente d’ingrandimento: È sera, piuttosto tardi, e vorrei rilassarmi ma non ho sonno. Qualche mese fa, precisamente tra le uscite di aprile, vidi un album di un gruppo con un nome strano. Si chiamavano Explosions in The Sky, e l’album era Take Care, Take Care, Take Care. Giusto il tempo di documentarmi su di loro e scoprire che sono texani di Austin e che sono già al loro sesto album (in attività dal ’99), che sono stato costretto a tornare alle faccende giornaliere che tanto mi rubavano il tempo per ascoltare buona musica. Oggi, molto più libero, posso dedicarmi a quest’album. Mai sentito nulla di loro, nemmeno una nota, non conosco nemmeno il genere di questo gruppo dal nome così strano. Ammetto che è stato proprio il nome ad incuriosirmi, e solo dal nome mi ero fatto una mezza idea diciamo. “Un genere di musica corale, strumentale, che trascina all’ascolto per la sua grandissima potenza attrattiva”, dicevo tra me e me cercando stimoli per schiacciare play. Stranamente non mi sbagliavo. Possiamo definirlo un instrumental rock, un post rock, un rock e basta, fatto stà che l’album è completamente strumentale, non una singola parola cantata o pronunciata, silenzio totale, solo chitarre, chitarre e batteria. Una perla, un delirio, un viaggio lungo circa 45 minuti, uno strazio estremo, ma in senso buono. Il disco trascina, fa volare, esplode ed implode nelle orecchie dell’ascoltatore, con pezzi lunghi, estenuanti e non, divertenti e malinconici. Un viaggio nemmeno troppo lungo, ma uno dei più piacevoli mai fatti. La sfida è grande, mai mi è capitato di recensire, neppure di descrivere, un disco esclusivamente strumentale, e con una forza così grande. La sfida è appunto grande, decido di prenderla, per descrivervi questo viaggio.

Take Care, Take Care, Take Care, si apre con Last Known Surroundings, un pezzo con un intro puramente in stile rock melodico. Non c’è però solo l’intro, la canzone prosegue, cambia, sconvolge ed esplode a metà. È una delizia, la batteria è incessante e gli arpeggi di chitarra sono fantastici. Il viaggio è cominciato e ci si lascia andare in otto minuti di piacere e relax. È la gioia del primo bacio, è la felicità di un abbraccio, è tutto ciò di più bello si possa apprezzare in una canzone senza parole. Esse non servono per nulla. Nemmeno ci si accorge del cambiamento, che parte la seconda traccia, Human Qualities, l’arpeggio iniziale è dolce, e nel sottofondo si può apprezzare una base quasi elettronica, che diventa poi un battito di mani. Ora si cammina, su di un verde prato, accompagnati da una persona cara, si può sentire il suo respiro. Il ritmo cala, c’è solo uno strano sottofondo battente, ci si addormenta. Nel sonno si ammira la bellezza della natura, la sua perfezione, finchè non ci si sveglia. Il ritmo torna ad essere sostenuto, si apprezza il cambiamento, finchè di nuovo, l’apoteosi. La batteria è fantastica, pochi suoni, pochi e semplici, un’atmosfera divina. Trembling Hands è più cattiva, una corsa continua per fuggire da qualcosa di maligno. Le rullate non si fermano ed il ritmo è sempre sostenuto. Ogni singola nota è suonata alla perfezione, ogni singola melodia è scelta per sconvolgere l’ascoltatore, e il finale è trionfante. Devo fare una piccola pausa per fumare una sigaretta, anche perché sono già passati venti minuti e siamo solo alla quarta traccia. Be Comfortable Creature comincia con leggeri arpeggi. Tre chitarre possono creare un emozione incredibile, possono scrivere parole di conforto par la persona che si ama, possono dire lei di stare tranquilla e di non preoccuparsi. Il ritmo risale, siamo al momento più bello e coinvolgente del disco. La melodia è semplice ma commovente, schitarrate al posto giusto non fanno che arricchire la già grande atmosfera. Si corre nel bosco, mano nella mano, senza guardarsi indietro, senza avere paura, fino a quando si esce di nuovo all’aria aperta, si sente il rumore del mare e bisogna festeggiare. I momenti più esplosivi di ogni singola canzone seguono sempre quelli più tranquilli, e sono prevedibili, si sente che qualcosa sta cambiando, i suoni si sovrappongono l’un l’altro fino a quando… fino a nulla. La canzone stessa mi trae in inganno e finisce, il trionfo è proprio la tranquillità, si è arrivati sulla spiaggia e si possono ammirare le onde che si infrangono sugli scogli. Ci si addormenta. Postcard from 1952 è la penultima canzone dell’album, leggera dichiarazione d’amore che a metà diventa improvvisamente una dolce ballata. So che questa volta non mi sbaglio. Si sente il cambiamento, è nell’aria, gli arpeggi si fanno più possenti, i piatti fanno un gran rumore e le rullate danno un tocco di sacralità. È il vero amore ciò che descrive questa canzone, insancabile ed inafferrabile, sognato e desiderato da tutti. Il finale è lento, tranquillo. Let Me Back In è un nuovo inizio, un’altra storia, l’inizio di qualcosa di diverso. La canzone mantiene le stesse note e gli stessi arpeggi fino a circa metà, con un ritmo sempre sostenuto, fino a quando cambia totalmente tonalità e dolcemente diventa gloriosa e corale. Il finale è lasciato alle incomprensioni, alle tentazioni che possono rovinare una storia d’amore, accartocciarla e gettarla nella spazzatura. Nessuna esplosione, nessuna risalita, solo punti interrogativi che solo le persone devono essere in grado di riconoscere, decifrare e risolvere, senza l’aiuto di nessuno, solo di loro stesse.
Questo è il mio viaggio, non so se sia lo stesso che gli Explosions in The Sky avevano stabilito. La sostanza è però che ogni cosa è al suo posto, ogni nota è perfettamente calibrata per l’enfasi che deve conferire, ogni rullata è definita per colpire e stupire, torcere e sconvolgere. Un album a dir poco perfetto, lungo al punto giusto, con brani che non stancano nonostante la loro grande forza. Puro sconvolgimento all’ascolto ed un incredibile viaggio. Cose che solo la musica può dare.

Brani Migliori: Last Known Surroundings, Postcards from 1952

Voto: 9

Tracklist:
01 – Last Known Surroundings
02 – Human Qualities
03 – Trembling Hands
04 – Be Comfortable, Creature
05 – Postcards From 1952
06 – Let Me Back In

Lente d’ingrandimento: Anche i Friendly Fires in un qualche modo, in questo fin’ora cupo 2011, il botto dovevano farlo. Pala esce a Maggio, e la redazione caldamente si scusa per il ritardo. Anche perché, per il suo genere, è un album davvero bomba. Sonorità già proposte dai Cut Copy di “In Ghost Colours” ad esempio, ma ora più chiare ed esotiche, forse addirittura più accessibili. Pala scorre via come una sigaretta, tra sinth e quant’altro possa creare atmosfere da dancefloors di un certo livello. Lo stile è quello, quello che non riesci mai a definire, un indie pop elettronico, con ritmi esotici e sonorità un pizzico anni ’90.
Come detto, l’album è di semplice ascolto anche se talvolta risulta un po’ diciamo estremo; troppi gingilli musicali mescolati con le ritmiche di quest’album possono stonare. Tra l’altro il nome dell’album non è scelto a caso; Pala è un’isola immaginaria creata dal padre della psichedelia, l’inglese Huxley, in cui il protagonista del romanzo “l’Isola”, si ritrova dopo un naufragio.

Dimenticatevi tutto, la notte è giovane e piena di desideri, mai guardarsi indietro. Live Those Days Tonight è la perla che scatta all’inizio dell’album, quella che fa subito saltare e fa si che si prosegua nell’ascolto. Il primo acchito è troppo importante. I ritmi sono molto sostenuti e la batteria spinge alla grande. Blue Cassette è la seconda traccia, più tranquilla, ma con il solito sottofondo altamente esotico e sostenuto. Segue Running Away, è tempo di fuggire, trascinati dalle geniali e coinvolgenti ritmiche. Segue Hurting, molto più melodica ed elettronica; a dir la verità di elettronico c’è molto poco, gli strumenti sono davvero suonati, primo fra tutti la batteria, e la differenza tra suoni computerizzati è sostanziale. Il risultato è puro piacere d’ascolto, del tutto reale. Le canzoni scorrono facilmente, nonostante la loro non indifferente lunghezza (in media 4 minuti per canzone), e la bravura dei Friendly Fires è proprio questa, lasciar correre e trascinare l’ascoltatore, quasi come se si fosse ad una festa in spiaggia, dove si attende l’alba, ma si vorrebbe che la notte non finisse mai. L’apice dell’album lo si raggiunge con Pala, canzone icona dell’album, nonché maggiormente psichedelica e riflessiva; tranquilla e rilassante, Pala sembra un posto in cui ci si può concedere il piacere di guardare il cielo e tutti i suoi cambiamenti, attorniati da miliardi di colori altamente suggestivi. Chissà se la Pala di Huxley rispecchiava quest’album. Show Me Lights è la canzone più Pop dell’album; la voce di Macfarlane è altamente melodica e pulita, e il pezzo è quasi in stile boyband anni ’90. Indipendentemente da questo, rimane comunque uno dei migliori pezzi dell’album, per atmosfera contenuta ed enfasi espressa. True Love è cattiva, ritmo battente e compulsivo, mentre Pull Me Back to Heart è un’altra perla di pregevole fattura, accattivante ed esotica, non si ferma un attimo, prende e trascina. Nemmeno cinque minuti e arriva Chimes, miglior pezzo in assoluto dell’album, mai un attimo fermo, gran voce, non troppi effetti e una batteria instancabile. Helpless è la canzone che chiude l’album. Ormai sperduti su Pala, ci si rassegna a rimanerci per sempre, in mezzo a suoni sensuali, senza aiuti provenienti da nessuna parte.

I Friendly Fires sono bravi, non è una cosa che si può nascondere (provateci se ci riuscite), come non è da nascondere la voglia che mette questo disco di ballare a piedi nudi sulla sabbia. Nulla di nuovo alle nostre orecchie, ma il loro lavoro per quest’album l’anno fatto molto bene. Promossi.

Brani migliori: Live Those Days Tonight, Pala, Show Me Lights, Chimes
Brani Peggiori: Blue Cassette, Running Away

Voto: 7

Tracklist:
01 – Live Those Days Tonight
02 – Blue Cassette
03 – Running Away
04 – Hurting
05 – Pala
06 – Show Me Lights
07 – True Love
08 – Pull Me Back to Heart
09 – Chimes
10 – Helpless

Un paio di settimane prima dell’evento arriva la comunicazione del cambio di location dall’Arena concerti di Rho Fiera al Castello Sforzesco di Vigevano a causa, non è un mistero, dello scarso successo delle prevendite. Dopo una prima reazione non troppo felice alla notizia, dovuta al fatto di lavorare a Milano e di aver già pianificato con il resto della compagnia tutti gli spostamenti, ci ricrediamo e troviamo la nuova location sicuramente più suggestiva rispetto al piazzale di cemento di Rho, viste soprattutto le temperature dei giorni imemediatamente precedenti l’evento. Ci ri-organizziamo quindi e, componendo man mano il gruppo, ci apprestiamo a raggiungere la nuova destinazione in treno. Una volta saliti, grazie all’indecente servizio ancora una volta fornito dalle ferrovie dello stato e ai 50 gradi percepiti all’interno delle carrozze nonostante siano semivuote, torniamo a maledire l’idea del cambio di location che ci costringe a questo viaggio della disperazione.

Arriviamo che è già in corso l’esibizione di Dan Black, ex leader dei The Servant e prestavoce dei Planet Funk. Sul palco, accompagnato solo da un chitarrista e da un po’ di gingilli elettronici, mette in mostra una buona personalità e con un po’ di carica riesce a coinvolgere discretamente i (pochi) presenti, ottenendo praticamente il massimo possibile per un set nel pieno pomeriggio di una giornata di luglio in cui si fatica anche solo stando seduti all’ombra.

I successivi artisti in cartellone sono i Glasvegas, freschi di pubblicazione del loro secondo lavoro “EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\”. Gli scozzesi, che nel 2008 si erano messi in grande evidenza con il loro omonimo disco di debutto, si presentano sul palco alle 18:30 con la nuova batterista, la svedese Jonna Löfgren, e fanno da subito una buona impressione.
Essendo tutto tranne che una band solare, pagano il fatto di suonare ad un orario in cui sole e temperatura si addicono di più ad un bagno nel mare che alle riflessioni cupe e intimiste delle loro canzoni. L’atmosfera durante la loro esibizione è infatti un po’ freddina, nonostante il buon livello di esecuzione dal punto di vista strettamente musicale. Convince tutto sommato abbastanza la voce di James Allan, ma convince soprattutto la performance ritmica della Löfgren che, suonando peraltro per tutto il set da in piedi, si comporta molto bene e, sebbene solo raramente sia impegnata in passaggi particolarmente tecnici, picchia con una determinazione e con un perenne sorriso che piacciono. Eseguono una decina di pezzi, partendo con il trittico iniziale dell’ultimo lavoro (Pain pain never again, World is yours e You) per tornare poi ad una sequenza dei brani estratti dall’album d’esordio (non può mancare ovviamente Geraldine), inframezzati ancora da “Euphoria, take my hand”, il singolo di lancio di “EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\”. Chiudono con un’ottima esecuzione di “Daddy’s gone” e noi applaudiamo volentieri.

E’ il turno dei Verdena. Si presentano da subito virtuosi e danno dimostrazione di aver raggiunto, sotto il profilo squisitamente tecnico, un livello che gli può garantire tranquillità in caso di confronto con qualsivoglia altra band. Luca alla batteria, in particolare, è devastante per quantità e qualità. D’altro canto però, non si può non notare uno scarseggiamento della componente melodica che, a tratti, sembra quasi assente, a favore della ricerca dell’intensità sonora, della sperimentazione e della psichedelia che a volte, forse per colpa anche dei volumi, specie quando i suoni si fanno potenti, sfocia in vera e propria “confusione”. Sarà forse per lo stile dei pezzi di “Wow”, il loro ultimo doppio disco, che ci accolliamo in tutta tranquillità la colpa di non aver approfondito abbastanza o sarà per il fatto di averli visti innumerevoli volte durante i tour dei loro primi 3 dischi, quando ad una tecnica già molto ben impostata sapevano unire melodia e imprimere un notevole impatto emotivo, fatto sta che la performance nel suo complesso ci lascia più di qualche dubbio. Indubbiamente la scelta della setlist poteva essere più felice e, se da una parte capiamo l’esigenza di pubblicizzare il nuovo lavoro (da cui possono pescare appunto tra oltre 20 pezzi), dall’altra crediamo che in un appuntamento di un’oretta scarsa da sparring partner da orario crepuscolare in un festival occorra inserire qualche pezzo in più di quelli in grado di far cambiare marcia. Non a caso, l’entusiasmo del pubblico si scatena prevalentemente durante l’esecuzione di pezzi come Don Calisto e Canos. Purtroppo, a differenza di alcuni amici con noi al Flippaut, non abbiamo il termine di paragone con una delle innumerevoli date del loro tour, durante le quali ci dicono aver offerto ben altre performance, per cui ci teniamo in nostro giudizio complessivo non eccelso (fermo restando, ripetiamo, la loro tecnica strabiliante).

Il ruolo di ultimo gruppo prima degli Strokes spetta ai Chromeo, duo canadese di elettronica arricchita con un po’ di funky. Provano da subito a scaldare un po’ la serata, dal punto di vista del coinvolgimento si intende, dal punto di vista meteorologico continua ad essere fin troppo calda nonostante il calar della sera; con alcuni pezzi ci riescono, con altri un po’ meno, con altri ancora annoiano proprio, ma ottengono comunque un buon risultato, il migliore fino a quel momento della serata, per quanto riguarda la partecipazione. L’originalità non è di certo la loro caratteristica emblematica e il paragone con i Daft Punk stride non poco ma, contando che non è che da loro ci si aspettassero miracoli, tutto sommato escono a testa alta.

Ci siamo, è il momento dei The Strokes e l’attesa è alta dato che la band di New York non calca un palco italiano da 5 anni. In Italia, proprio su questo stesso palco del Castello Sforzesco di Vigevano era stato, un anno esatto fa, il solo Julian Casablancas per una data del tour di promozione del suo lavoro solista “Phrazes for the Young”. Questa volta con lui ci sono anche Nick Valensi, Albert Hammond jr. e gli altri; tra il pubblico partono le operazioni di avvicinamento al palco e con un colpo d’occhio all’indietro notiamo che la location è andata riempiendosi.
Gli Strokes escono e decidono di partire forte, attaccando con New York City Cops che, inutile dirlo, scatena il delirio. La voce di Julian pare in buona forma e i suoni sono veramente notevoli. The modern age e poi subito Reptilia, veloce ed esplosiva, porta lo show ad altissimi livelli fin dalle prime battute. Sicuramente dimostrano di saperla lunga sulla scelta dei pezzi da proporre e dell’ordine in cui proporli; proseguono infatti con Machu Picchu, opener dell’ultimo disco e, per convinzione personale, uno dei migliori brani in esso contenuto, seguita dall’iconica Last Nite. Il tutto suonato in modo molto positivo, con una grande carica e con la giusta alchimia tra i suoni che francamente non sapevamo se aspettarci da una loro prova live. Gli attriti, veri o presunti, tra i membri della band non si percepiscono, e il tutto sembra far pensare ad uno show destinato a proseguire egregiamente e, perchè no, ad essere ricordato con enfasi.
Durante l’esecuzione di “Taken For A Fool”, secondo estratto dal loro ultimo disco “Angles” uscito in primavera, succede però ‘imprevedibile e, nel bel mezzo del brano, l’impianto salta lasciando di stucco tanto il pubblico, quanto gli stessi Strokes. Dopo qualche minuto il tutto sembra risolto e lo show riprende. Ma neanche il tempo di tirare il classico sospiro di sollievo che la musica sparisce nuovamente. Evidentemente non abituati a situazioni del genere (ovviamente solo in Italia succedono) rimangono loro stessi spaesati per primi, mentre il pubblico inizia, con sacrosanta ragione, a rumoreggiare. Julian, mentre i tecnici corrono freneticamente da una parte all’altra nel tentativo di sistemare il problema, o forse anche solo di individuarlo, scende dal palco e si concede al pubblico delle prime file per strette di mano, foto, baci e abbracci. Trascorrono i minuti, arriva una sorta di ok a riprendere e Casablancas torna sul palco; dopo una breve prova microfono il gruppo è pronto a ripartire. Ma questo concerto non sa da fare ha deciso qualcuno o qualcosa e infatti la band fa appena in tempo ad eseguire un brano, forse 2, e il problema si ripresenta. Questa volta è il batterista Fabrizio Moretti che prova a rendere meno tragica la situazione, uscendo dalla sua postazione e venendo a fronte palco ad esibire una bandiera italiana (nazionalità di origine del padre). Il copione che si ripete è ancora una volta lo stesso delle interruzioni precedenti e lo show è già senza dubbio compromesso, con il pubblico che inizia ad avere la ferma sensazione che tutto sia ormai andato. Come da copione appunto si prova a ripartire, ma arriva la quarta interruzione; molti a questo punto iniziano a imboccare la strada per l’uscita tra improperi di ogni tipo. E’ invece da apprezzare l’atteggiamento della band che nonostante tutto prova ogni volta e in ogni modo a riprendere, quando molto probabilmente moltre altre band, anche meno blasonate, alla seconda interruzione se ne sarebbero tranquillamente andate. Se si riesce ad andare oltre al banale “ma si tanto loro i soldi li prendono lo stesso” e a capire che la band è forse l’ultima ad avere delle colpe, non si può non rendergli atto del rispettoso e positivo modo in cui hanno gestito la situazione. Infatti ci provano ancora e, fermo restando le rigide imposizioni sull’orario di chiusura, previsto per la mezzanotte, escono per provare ad eseguire il brano previsto come chiusura di scaletta, cioè “Take it or leave it”. Esecuzione ottima che riesce senza interruzione e che estrae ancora un po’ di energia e di voce da quelli che ci han creduto, sebbene non possa mitigare l’amarezza di tutti quanti, che resta direttamente proporzionale ai sacrifici economici e logistici fatti per esserci. Gli inconvenienti li hanno costretti a dare quindi un bel taglio alla scaletta prevista, dalla quale sono stati estirpati alcuni pezzi che avremmo avuto particolare piacere a sentire come “Juicebox” e “Hard to explain”.
Come detto in apertura, la nostra rabbia è stata mitigata solo dal fatto di aver speso per questo evento la metà del prezzo previsto e l’unica cosa che possiamo fare, sembrerà banale dirlo, è sperare di vederli di nuovo presto in Italia, in una situazione meno sfortunata e, soprattutto, con una organizzazione più preparata.

Scaletta Glasvegas:
Pain Pain, never again
World is yours
You
It’s My Own Cheating Heart That Makes Me Cry
Lonesome swan
Euphoria take my hand
Geraldine
Go square go
S.A.D. Light
Lots sometimes
Daddy’s gone

Scaletta Verdena:
Sorriso in spiaggia, pt. 1
Sorriso in spiaggia, pt. 2
Rossella roll over
Il caos
Badea blues
Lui gareggia
Canos
Don Calisto
Letto di mosche
Razzi arpia inferno e fiamme
Scegli me
Miglioramento
E’ solo lunedì
Loniterp
Non prendere l’acme, eugenio

Scaletta The Strokes:
New York City Cops
The Modern Age
Reptilia
Machu Picchu
Last Nite
Taken For A Fool (interrotta per problemi tecnici)
Someday
Is This It
Under Cover Of Darkness
Whatever Happened
Life Is Simple In The Moonlight (interrotta per problemi tecnici)
You Only Live Once (interrotta per problemi tecnici)
You’re So Right
Trying Your Luck (interrotta per problemi tecnici)
Take It Or Leave It

Le Due del mattino per strada con due quadri e due rose.
Seduta al tavolo di un autogrill tutto gira confusamente come le lancette di una giornata appena trascorsa che non si sono mai fermate. “Sono 24 ore che non dormo”. ”Eh, una redbull fa miracoli. Due redbull.” Pensavano le Due del mattino sedute al solito tavolo di un qualsiasi autogrill.

“Percorsi esistenziali monza-milano e se prendi il concorde arrivi prima di partire soddisfatto d’esserti anticipato”, così diceva una canzone. Le Due del mattino non capivano ma nel momento in cui avevano accettato di partire erano diventate parte di quella canzone.
Un pieno semaforo rosso, uno stop mancato. Erano solo le 4.30 a.m. e le Due dovevano entrare in una dimensione parallela dove l’assurdo avrebbe fatto da padrona. Tanti libri, tanti giocattoli, nomi scritti su un taccuino. Frammenti di specchi incorniciati riflettono una luce artificiale perennemente accesa come quelle finestre danneggiate, non hanno mai respirato luce naturale. Ed ecco spuntare il bianco coniglio e il leprotto bisestile: benvenuti nel teatro dell’assurdo!
Qui il tempo sembra essersi congelato: troppe cose da scoprire, troppo da ascoltare, da imparare, troppo da non dimenticare. Poi un ombra fa si che la favola si trasformi in film Horror. Armati di coltello, forbici, un bastone da prestigiatore e una testa di gnù cerchiamo l’intruso.
“Dobbiamo proteggerci.” Prendo coscienza che siamo parte del teatro dell’assurdo dove solo l’impossibile è possibile. Inizia il delirio, la parte finale della follia. Quella più cruda, quella più amara.
Non ero io. Io non volevo pugnalarti.

Due note di tristezza accompagnano la nostra uscita fuori da quel mondo, dietro un tendone nero. Le Due del mattino alle 8.30 a.m. non parlano perchè tutto è stato detto e nulla è stato svelato. Questa mattina quando il mondo si sveglia e si attiva pensi che forse anche questa notte qualcuno non andrà mai dormire. Non si addormenterà mai.

Guardo alla mia sinistra e vedo le Due del mattino che dorme, Sofia è nel mio letto. Ha dormito ai miei piedi tutta la notte, come le notti precedenti. Nulla, è stato per fortuna solo un brutto incubo, una favola finita male. Mi volto e continuo a dormire ma qualcosa attrae i miei piccoli occhi: cosa ci fanno sul comodino un quadro e quella rosa rossa?

Voglio chiudere con un ultimo ricordo. Quando hai l’occasione di partecipare a una singing session, dopo aver trascorso una notte per strada per ottenerne l’agognato accesso, passi tutto il tempo precedente l’incontro pensando a cosa dire a una persona che ha stravolto la tua vita. Troppo da comunicare in pochi secondi a disposizione, così decidi di scrivergli una lettera, evitando anche inconvenienti come l’improvvisa salivazione azzerata e la scarsa padronanza dei vocaboli della lingua inglese in situazioni del genere, rischiando peraltro di riassumere il tutto con un “hi” e poi il silenzio. Questa opportunità io l’ho avuta il 30 Novembre 2009: di fronte a loro tre ho potuto porgere il mio regalo a Brian con all’interno quella lettera, mentre loro mi firmavano il libretto di “Sleeping with ghosts”. Ora, sorvolando su gran parte del suo contenuto, frutto del flusso caotico dei miei pensieri, mi sono resa conto che solo uno era il concetto realmente rilevante che intendevo comunicargli, una singola parola: grazie. Anzi grazie per “Every you and every me” e per tutto quello che ho avuto con lei, perché ogni concerto è un’emozione nuova ma allo stesso tempo, dopo tutti questi anni, non è cambiato niente dal giorno in cui l’ho sentita per la prima volta.